Polly Morgan - Taxidermie: stupéfaction, étonnement ou scandale?

Perchè in tutte le cose c'è un inizio e una fine? E soprattutto, perchè la fine ha sempre una strana somiglianza con l'inizio? E' come se la natura si preoccupasse di voler terminare ogni volta un ciclo, in cui però la fine non è esattamente identica all'inizio. Si, la natura, l'insieme di esseri viventi e inanimati nella sua forma complessiva, e si sa, tra gli esseri viventi non siamo gli unici a farne parte, perchè dove voglio condurvi è nel mondo animale e alla "Tassidermia". Tra fringuelli morti, piume, peli e bottiglie di soluzioni, arriva "Polly Morgan". Nel suo mondo apparentemente sordido, dove la morte può essere bella e la tassidermia è una forma d'arte, Polly è una vera maestra nel metodo di imbalsamazione delle sue opere, che modella per farle divenire una vera e propria meraviglia dell'arte moderna. Morgan non vede gli animali con cui lavora come creature che un tempo hanno vissuto e respirato, ma li vede esattamente nello stesso modo in cui un pittore guarda la vernice, come materie prime il cui unico uso è per la costruzione dell'artista. La carriera della bella bionda di East London è stata fortuita. Dal suo mondo immaginario di tassidermia fai da te, Polly inizia a prendere lezioni da un professionista in questione "George Jamieson", ma la grande occasione avviene allo "Zoo Art Fair" quando il suo primo pezzo, un topo bianco raggomitolato e la pelliccia traboccante da un bicchiere di champagne, viene venduto prima che la fiera d'arte aprisse. Dall'esperienza nello zoo il pubblico comincia ad interessarsi, ma è anche me che riesce ad ammaliare con uno dei suoi ultimi lavori: "Psychopomps". Una mostra dove Morgan si ricollega alle creature che nelle tradizioni religiose e mitologiche trasportano le anime nell'aldilà (Hermes e Caronte, le Valchirie) immaginandoseli come macchine volanti costituite da gabbie toraciche umane che proteggono degli uccelli rossi tenuti in sospensione da palloncini. "Psychopomps" è questo, creature  riassemblate in una distorsione della natura, come se drogate da un sogno, pronti a viaggiare in qualche luogo lontano dove gli ibridi evocano da un lato, la natura metaforica di questi conduttori d'anima, e dall'altro, le tradizioni della tassidermia e il suo tentativo di rinvigorire i corpi di animali morti. Topi in bicchieri di champagne, pulcini imbrigliati pronti a scoppiare palloncini, dalle cuciture di bare o auricolari di una cornetta telefonica....Per la prima volta il corpo umano è stato implicato in questo gioco macabro e nelle ali di corpi animali 'che non sono più riconoscibili dalla vita. E allora, stupore, meraviglia o scandalo?

Aurel Schmidt - L'appel de la Nature

Viviamo in un mondo in cui tutto è sotto controllo. Puoi comprare pillole per l'umore, se è inverno puoi stare al caldo, se è estate hai l'aria condizionata, fai sesso ma non rimani incinta, puoi controllare quasi tutto. In una società artificiale dove anche l'ambientalismo è un trend, mi viene in mente Aurel Schmidt. L'artista che trasfigura una realtà secondo principi e ideali. Lei dalle idee archetipiche, stregoneria e rituali, che come Dash Snow e altri artisti della sua generazione, usa fluidi corporei: "Utilizzo il sangue nelle mie opere, quindi potrei tagliarmi un dito, ma non vedo perchè visto che ho le mestruazioni una volta al mese...è solo una maniera indolore e agile per procurarmi quel che mi serve". Una pratica dal sapore gotico. Nata a Kamloops, zona rurale della British Columbia, parte per Vancouver finita la scuola superiore, dove divide casa con un gruppo di studenti d'arte a cui ruba letture e idee, formandosi così da autodidatta alla cultura artistica. Nella Grande Mela, dopo aver fatto un po' di tutto per guadagnarsi da vivere, comincia a esporre grazie a Tim Barber e, in seguito, Kathy Grayson di Deitch Projects. Il collezionista greco Dakis Joannou vuole subito due disegni. Da allora, mentre Aurel prende contatti con la città, è un susseguirsi di eventi fino alla Biennale del Whitney 2010 dove crea disegni e dipinti intricati che fondono parti anatomiche ad animali e spazzatura. "Prendi una cotta, t'innamori, poi rimani deluso, amareggiato, arriva il momento in cui ci si lascia, ti ritrovi depresso e solo...forse  meglio metterci un insetto sopra fin dall'inizio". Prendi Auriel Schmidt.

Helmut Lang - le soft / le solide

"Make it Hard". E' proprio questa parola che ha recepito il mio nervo ottico. Tuttavia tutti questi input/output mi  hanno portata all'elaborazione di questo dato e condotta fino a lui "Helmut Lang", il designer austriaco famoso per i suoi tagli netti, la tavolozza dei colori spesso monocromatiche e definito gli anni '90 con la sua estetica minimale. Dopo il ritiro dalle scene della moda, ora, a quanto pare, ancora una volta la mente dell'artista torna di nuovo a colpire il nostro apparato visivo, ma non attraverso la terapia al dettaglio come siamo abituati, ma nella sua ultima mostra personale d'arte, per l'appunto "Make it Hard", (il passaggio dal morbido al solido che lui stesso definisce), esposto al Fireplace Project a Hamptons fuori New York. Lang ha tagliuzzato il suo intero archivio dopo aver donato il resto delle sue opere raccolte per collezioni d'arte in tutto il mondo della moda e del design contemporaneo, per fare 16 sculture sartoriali. Mescolando la propria storia, quella del suo passato di designer e questa forma d'arte relativamente nuova, rende la mostra fondamentalmente interessante per gli appassionati di Helmut Lang, sia come artista, sia come designer.

Peter Saville - Joy Division, non seulement!

Datemi una band, datemi il loro sound, datemi il loro disco, ma piuttosto, datemi la sua copertina. E' proprio questo di cui vi volevo parlare "La Copertina". Non è solo un pezzo di carta stampato, è molto di più, ha una funzione fondamentale: ha lo scopo di catturare l'attenzione del potenziale lettore, (in questo caso un compratore di dischi), nel modo più semplice ed efficace, tramite il testo e le immagini. Insomma, è colei che tutto muove. E a capo di questa creazione è lui:  "Peter Saville", "Graphic Designer". Si, perchè è il Graphic Designer che crea questo prodotto di comunicazione. Peter Saville è un inglese Art Director e Graphic Designer che durante l'anno 1980 disegna per la "Factory Records", famosa etichetta discografica inglese, decine e decine di copertine per molti artisti, in particolare i "Joy Division" e "New Order". Ma l'ultima volta che Saville disegna per i Joy Division è nell'album "Closer", rilasciato poco dopo la morte suicida nel maggio 1980 di Ian Curtis, rappresentando in modo controverso il corpo del Cristo sepolto. Nel 1993 lascia Londra e si trasferisce a Los Angeles e Saville cresce sempre di più  nel campo pubblicitario, ma è anche alla moda che si avvicina. Di fatti collabora con Jil Sander, Christian Dior, Stella McCartney e Raf Simons insieme al suo amico fotografo di moda Nick Knight. Nel 2003 espone l'opera di progettazione grafica scritta da Rick Poynor e disegnata da Saville al "Design Museum" di Londra e nell'anno seguente diventa direttore creativo della città di Manchester, come consulente. Lui, la leggenda della progettazione grafica è un acuto osservatore della società e non timido nel rivelare la sua opinione. Con la sua visione sullo "status quo", non ha solo un contributo interessante a questo compendio digitale di opinioni personali, ma anche per il festival TRANSMISSION1 a Berlino dove ha fondato la propria auto. Il 1998 500 SL e la sua riproduzione stereo della canzone "Transmission" dei Joy Division, sono stati la sua dichiarazione d'avanguardia.

Rick Genest - le zombie est à la mode

Si dice che un tatuaggio tira l'altro, in questo caso il corpo assume le sembianze di un vero e proprio cadavere in decomposizione. Si chiama Rick Genest, canadese, classe 1985, fashion model, e potete chiamarlo per l'appunto Zombie Boy. Tatuato dalla testa ai piedi, il canadese Rick, diventa il volto del brand Thierry Mugler, ed è proprio il direttore creativo della maison Nicola Formichetti che lo scopre. "Rico lo zombie" scorre sulla passerella di Mugler a Parigi nel gennaio e marzo dove incarna il volto del ready-à-porter autunno / inverno 2011/2012. Nelle settimane della moda parigina, si trova a collaborare nel video di Lady Gaga - Born This Way, che ha visto più di 31 milioni di spettatori su YouTube. La sua apparizione a Gaga suscita curiosità: a Budapest, dove gira 47 Ronin, un samurai epico interpretato da Keanu Reeves. Ma la vita quotidiana del giovane, che insieme ad alcune infrazioni di qualsiasi genere a Montreal, non cambia. Le sue scoperte più recenti non hanno nemmeno cambiato il suo gusto nell'abbigliamento. Uno zaino sulle spalle per tirare attraverso il tappo nero con visiera, il nuovo beniamino della passerella, posta di fronte a noi, più simile a un "seccatoio" - un lavavetri - come una vittima della moda. Occhi cerchiati di nero, tatuaggi e piercing al naso, una ragnatela disegnata nell'orecchio, egli emana una timidezza sorprendente. Questo è Rick Genest, l'uomo e lo zombie inseparabili. L'uomo dei morti viventi.

la mode rencontre la danse - Janie Taylor pour Chloé

La moda è in movimento. Siamo al New York City Ballet e la prima ballerina Janie Taylor è l'immagine per la collezione Chloé Primavera/Estate 2011. Lei, immagine di eleganza, avvolta tra tulli, chiffon e jersey. Janie balla sensualmente ad un ritmo lento, quartetto d'archi di musica con il suo dancepartner Justin Peck, mentre i suoi abiti cambiano gradualmente da un abito all'altro. La complessità e la bellezza del balletto è perfettamente plasmabile, dando allo spettatore l'opportunità di godere a pieno la raccolta di immagini da tutte le angolazioni e con movimento. Questa stagione Chloé esprime una sensazione di energia e ottimismo. Janie raccoglie grazia e femminilità, che complessivamente impersona la donna Chloé. A designare il film è il direttore creativo James Worthington DeMolet, ma è il direttore Bon Duke che cattura questi momenti di equilibrio mentre i due ballerini si esibiscono al Lincoln Center di New York. La routine è stata concepita appasionatamente da Peck, nel tentativo di catturare gli aspetti multidimensionali del balletto sulla macchina fotografica. Il progettista di Chloé Gaby Aghion è rinomato per il suo stile bohemien personale e per la progettazione di abiti che accentua gli aspetti della femminilità morbida. Con questi, Taylor e Chloé sembrano una coppia perfetta.

Cinéma- Breathless - Bon Voyage

Breathless (francese: À bout de souffle, letteralmente "alla fine del respiro"). Corre l'anno 1960 e Jean-Luc Godard entra nella scena cinematografica francese. Le riprese si svolgono durante l'estate del 1959. Dietro la macchina fotografica era Raoul Coutard, in origine un cameraman documentario per il servizio informazioni dell'esercito francese in Indocina durante la guerra. Godard che ha voluto che il film fosse girato il più possibile come un documentario, con una telecamera portatile e con la minima illuminazione. Questa decisione è stata presa sia per ragioni estetiche - rendendo l'aspetto film come un cinegiornale - e ragioni pratiche - un risparmio di tempo, la creazione di luci e cavalletto. La flessibilità è molto importante per Godard, che voleva la libertà di improvvisare e sparare quando e dove voleva senza troppi vincoli tecnici. Lui e Coutard escogitano modi - come l'utilizzo di una sedia a rotelle per carrellate a tiro con scarsa illuminazione filmstock specialista per le scene notturne. E 'stato non solo nel montaggio di immagini che Godard ha espresso la sua personalità, ma anche attraverso la profondità ricche di riferimenti al cinema, alla letteratura, e all'arte. Breathless abbonda di citazioni di film di registi come Samuel Fuller, Joseph H . Lewis, Otto Preminger e qualsiasi numero di film noir classico. Ci sono anche citazioni e riferimenti a scrittori come Faulkner, Dylan Thomas, e Louis Aragon, così come pittori come Picasso, Renoir e Klee. Riflettendo sul patrimonio culturale del film, l'iconografia, l'influenza americana è ovunque: nelle auto (Cadillac e Oldsmobile), l'ossessione di Michel con Humphrey Bogart e il punteggio jazz improvvisato. Breathless è stato un successo immediato. Nel gennaio 1960, poco prima dell'uscita del film ha vinto il premio annuale  Jean Vigo, dato a film realizzati con uno spirito indipendente. I critici sono stati unanimi nella loro lode, riconoscendo il film come la più grande realizzazione New Wave. Ora, a 50 anni dalla sua uscita, l'impatto del film e la sua popolarità con i critici e il pubblico non è diminuita. 

Music - Clair Obscur - plus que cela

Tra tutti i gruppi che hanno animato la Nouvelle Vague e la scena industriale degli anni '80, Clair Obscur è certamente uno di quelli che va al di fuori dei confini della Francia. Molti dei loro dischi sono stati pubblicati da etichette inglesi (il live The Pilgrim's Progress, 1986) o dalla Cathexis Recordings (12 singoli "Smurf in the Gulag" lo stesso anno), e uno dei loro atti di gloria fu "From Torture To Conscience" della mitica etichetta NER, affiancando i Current 93 e i Death In June (1984). "From The Killing Joke" di Nits, da "Le Cirque d'Hiver" di Parigi (1982) al "Wiener Festwochen" (1991), la band con cui giocava, e le sedi e luoghi dove si sono esibiti sono una testimonianza per la ricchezza di questo gruppo che è così difficile da classificare. Fondata a Creil nel 1981 da Thierry Damerval (basso) , Christophe (voce) e Nicolas Demarthe (chitarra), Clair Obscur ha attirato immediatamente l'attenzione con un nastro audio fatto in casa (ripubblicato sul Play album). Dall'onda di freddi tribali alla musica da camera, dalla musica industriale alla musica dance, il loro approccio musicale è eminentemente atmosferico e abbraccia una sorprendente varietà di stili, dando vita ad una iconoclasta scenica. Ricreando un luogo domestico su palco o organizzando un gioco falso TV, Clair Obscur esplora universi, dal teatro alle prestazioni, che si trova in "In Out", pubblicato nel 1988 su VISA con l'aiuto di France Culture. Dopo l'uscita dell'album "Sans Titre" (1992), "Rock" (1994) e "Aide Nulle", la fine degli anni '90 ha visto la sospensione del gruppo. Christophe Demarthe ha lavorato principalmente sul suo progetto "Cocoon", un lavoro ambizioso multimediale dal suono ottico. Da marzo 2004, Clair Obscur è stato riattivato da Nicolas e Christophe Demarthe, e il loro album "Play" e "In Out" è stato  ripubblicato dalla etichetta Infrastition.

Architecture - Julius Shulman - utopie

Julius Shulman (10 ottobre 1910 - 15 luglio 2009) è un fotografo americano di architettura noto per la sua "Case Study House" a Los Angeles, 1960. La fotografia di Shulman si è diffusa in California a metà del secolo moderno in tutto il mondo. Attraverso i suoi molteplici libri, mostre e apparizioni personali il suo lavoro ha inaugurato un nuovo apprezzamento per l'inizio del movimento nel 1990. Ogni immagine di Shulman unisce la percezione e la comprensione per gli edifici e la loro collocazione nel paesaggio. Le composizioni precise, non rivelano solo le idee architettoniche dietro superfici di un edificio, ma anche le visioni e le speranze di un'epoca intera. Un senso di umanità è sempre presente nel suo lavoro, anche quando la figura umana è assente dalle fotografie reali. Shulman inoltre è stato oggetto di un film documentario 2008, Visual Acoustics: Il Modernismo di Julius Shulman . Il film, diretto da Eric Bricker e narrato da Dustin Hoffman , esplora la vita e l'opera di Shulman. Si discute come Shulman contribuisce a formare le immagini e le carriere di influenti architetti del 20 ° secolo, tra cui Frank Lloyd Wright , Richard Neutra e John Lautner. Il film ha vinto nel 2009 a Palm Springs International Film Festival il Premio del Pubblico per il Miglior Film Documentario e premi al Film Festival di Austin, Newport Beach Film Festival e il Lone Star International Film Festival. Il film è uscito nelle sale da cinema d'autore tra la fine del 2009 negli Stati Uniti e l'inizio del 2010. Oggi, un gran numero di edifici documentati da Shulman sono scomparsi o sono stati convertiti crudamente, ma la sete per le sue immagini pionieristiche è più forte che mai.

Obscur - principe scandinaves

Obscur è costruito su un principio autoevidente per quanto riguarda il design - il vero valore di un capo non può che essere pienamente riconosciuto quando viene indossato. Il designer Richard Söderberg crea i vestiti dopo aver assorbito lo spirito dei paesaggi scuri e nebbiosi del suo paese d'origine. Il suo profondo amore per la musica dark scandinava è anche di grande ispirazione ed è stato tradotto in capi. Obscur non si tratta di essere attratto da estremi, ma piuttosto il bisogno di affinare la silhouette classica alla perfezione. L'espressione onesta e potente rivela il vero progetto dietro le vesti, lo stile in modo minimo è richiesto. Il raggiungimento di una pura estetica può essere difficile in quanto vi sono molti elementi da considerare. Richard in qualche modo cerca di creare a tutto tondo capi chiave che possono essere facilmente indossati da personaggi diversi per creare l'equilibrio perfetto di un abito. Il mondo è in continua evoluzione. Una finitura cruda e nuda che spesso viene utilizzata per esporre l'artigianato all'interno del capo. Materiali pesanti e rigidi che creano armature all'esterno, ma con un nucleo interno morbido, proprio come negli abiti tradizionali scandinavi. Obscur è un linguaggio per il creatore, un linguaggio destinato ad esprimere una certa visione del mondo e una reazione. Una reazione alla impureness e all'incoerenza che ci circonda.